ボテロ展　”ふくよかな魔法”をあなたも体験してみてください

1949年、17歳の時に描いた《泣く女》と題する水彩画に見られるように、フェルナンド・ボテロのボリュームに対する関心はその初期の時代に遡る。この作品では、人物像の丸みやふくよかさといった傾向を、ほぼ直感的に認識することができる。1952年、母テロはコロンビアのサロン・ナシオナル・デ・アルティステス（国営芸術家展）でに東証を受賞し、賞金でヨーロッパに渡り、３年間そこで独学で学んだ。イタリアにおいて20歳の時、特に桑と江尾チェンと（1400年代）の芸術家たちによるイタリア絵画の偉大な名画や、批評家であるバーナード・ベレンソンやロベルト・ロンギといった当時の卓越した理論家たちの著述に出会ったことで、ボテロは、自らのボリュームへの情熱を理論化し、自分自身の作品の基盤を創出する上で欠いていた知的構成、理論的知識、そして歴史的パースペクティヴといったものを発展させることができた。以来、ボリューム、光、色彩、技法、構成そして形態といった、自らを捉えて離さないものに関する弛まぬ探究と実験が、ボテロの継続的展開の原動力となった。

静物画はボテロの作品に頻出する主題の一つだが、まさにこの主題を通じて彼の様式が生まれることになる。
1956年、ボテロはメキシコに移住した。メキシコは当時ラテンアメリカの若い芸術家たちのメッカとなっており、ボテロはそこで2年近く生活した。ある夜、アトリエで遅くまで制作していたボテロは、マンドリンの形を描いていた。ボディの丸い穴を描く際に、この穴をとても小さく描いてみたところ、マンドリンのふくよかな輪郭と、中央の妙に小さいディテールの対比によって、絵は突如として記念碑せいとデフォルメの絶大な効果を発揮するようになった。その瞬間、ボテロは自分の作品にとって重要なもの、これまでの飽くなき探究の有力な答えを見つけたと、はっきり理解したのである。おそらくこの発見こそが粉うことなき独自の様式と芸術言語を確立するにいたる、ボテロの歩みの出発点であり、絶え間ない実験、病むことのない熟考と自問の成果なのである。そこにはボテロの芸術的確信と、長年にわたって消化してきた教えを、斬新で非凡なものに一変させるボテロの才能があらわれている。

フェルナンド。ボテロの作品はすべて、彼の青年時代の記憶と何らかの形で結びついている。ボテロは、自分なりの視点と芸術理念を通して、その記憶を作品として表す。宗教的な主題に対する作家の関心は、聖職者の世界における形、色、衣装、私的な側面を造形意的に探究するためのただの口実に過ぎず、ユーモアと風刺によって、聖職者という存在の特質に迫ろうとしている。司教、修道女、司祭、枢機卿は、1930−40年代のメデジンの地域では非常に特権的な地位にあった。彼らの存在によって、ボテロの作品からは、もともと備わっている風刺やユーモアといた要素に加え、ある種のノスタルジーも溢れ出ることになる。こうして、彼の作品は、予想外で驚きに満ち、ありそうにないことが起きている、魔法のかかった世界となるのだ。ボテロ自身は敬虔な信者じゃないが、西洋絵画の伝統における宗教美術の重要な役割は理解でしている。自分の作品を絵画史の偉大な主題の伝統に根ざしたものにすることへの関心から、ボテロは、巨匠たちや植民地時代の絵画だけでなく、ラテンアメリカにおいて最も力を持つ組織の一つ、境界についても言及しているのだ。こうして《コロンビアの聖母》のように、宗教的な文脈から抜き出されたイメージは、この芸術家の様式を取り入れることで、ボテロ風想像世界を形作るもう一つの重要な要素となるのである。

メキシコは、様々な意味でボテロ作品の重要なターニングポイントを象徴することとなった。23歳の時メキシコ芸術と出会ったことで、ボテロは、当時革新的とみなされていたこの国の芸術家たちによる作例を追いかけるようになる。また、自らのルーツ、生まれ、そして故郷であるコロンビアのメデジンで育った子供時代の記憶にまなざしを向けるようになり、この汲めども尽きせぬ世界を自作の中核となる主題、そして自らの創作の中心的テーマへと変容させていった。この頃からボテロは日常生活を、記憶の中に存在する登場人物たちとともに自らが覚えている通りに描くようになった。楽士たち、踊る人たち、修道女たち、兵士たち、聖職者たち、上流社会の婦人たち、権力者たち、そして売春婦たちでさえも、ボテロはそのプロポーションの戯れとボリュームに満ちた洋式により「ありそうにない詩」へと変容させていく。アーティスト本人の言葉によれば、「作品は、それが妥当性と誠意のあるものであるためには、深いルーツを伴った明確なアイデンティティを有していなければならない」のであり、それゆえ「アートが普遍的であるためには、まずローカルでなければならない」と断言もするのである。

ドローイングはボテロ作品の基礎をなしてきた。製図者として過ごした歳月により、ボテロは、水彩、サンギーヌ（赤褐色コンテ図）、木炭、鉛筆、パステル、ぼかし技法、墨のような多様な技法に真に習熟していくことができた。水彩による実験が最新のボテロの制作の極点だが、それはありがちな紙の上ではなく大型のカンヴァス上でなされ、彼がいつも見せてくれる力強さと多作によって特徴づけられる。その結果が2019年9月に開始された美しい作品のシリーズであり、ボテロのドローイングの力強さと水彩画の透明感や繊細さを宿すものとなっている。下地となる線描は青鉛筆によるものであるが、これによりボテロは、表面の清らかさに歩み寄ることなく自由で荒々しいストロークを維持するという大胆な制作ぶりを見せている。テーマはボテロ的想像世界を構成するものと同じだが、ドローイングという選択と線そのものから生じる形態の官能性が驚くべき結果をもたらしている。こうした結果が映し出しているのは、実験し疑問を投げかけ、自らの限界を作り替えていくことへの、この芸術家のたゆまざる専心なのである。

ボテロは毎年、メキシコの太平洋岸のはずれの漁村、シワタネホで１ヶ月を過ごし、制作していた。2006年、いつものように滞在していたある日の午後、町をパレードし自分たちの興行を宣伝している小さなサーカスと出くわした。ボテロはそのつましさ、真正さ、そしてラテンの香りに驚嘆し、内に秘めた悲しみを反映しているような人物たちだけでなく、彼らの形や色が持つ市場や造形性にも魅了された。それは、青年時代にメデジンで見たサーカスの記憶も呼び起こすものだった。この出会いは、ピカソ、マティス、ルノワール、ドガ、ロートレック、レジェ、スーラ、シャガールら巨匠たちの作品によって高められてきた、大きな可能性を秘めたテーマへと、彼の想像力の扉を開いた。サーカスの情景の中の役者たちは、盛んに動いているにもかかわらず、ボテロ風の人物に備わっている穏やかで静かな特徴が反映され、ダイナミズムと静寂の間を揺れ動く逆説的な感覚を伝えている。空中ブランコ乗り、ピエロ、曲芸師が、色彩、悲哀、詩的な魅力に溢れたこの一連の作品での主人公となる。サーカスのイメージは観る者に多義的な反応を引き起こすが、それは、ボテロが「人生の困難を反映した喜び」の置き換えとしてどうしても現れてしまう笑顔に紐づけられた、哀れみの感情なのである。

1952年に初めてヨーロッパへ渡航して以来、フェルナンド・ボテロは、彼に影響を与え、彼の芸術家としての人生を豊かにしてきた美術史上の主要な芸術家、とりわけ、ベラスケス、ピエロ・デラ・フランチェスカ、ヤン・ファン・エイク、アングル、ルーベンスなどへ、数多くの作品による賛辞を贈っている。ボテロにとって、美術の世界への芸術家の最大の貢献は、まさにその洋式、すなわち同窓的で極めて個人的に自らを表現する方法である。「バージョンズ（翻案）」とされたシリーズの中で、ボテロは他の人が再現したテーマを自分のものとし、自身の洋式でまったく異なる芸術作品に変えている。ニューヨーク近代美術館の買上げとなった最初の絵画《12歳のモナリザ》は、特有の形態のふくよかさと人物の堂々とした記念碑性、そして当時の作品に特徴的な表現力に富む筆運びで描かれている、ベラスケスの「スペイン王女、マルガリータ・テレサ」のボテロ版のような、ほかの多くの作品でも起きている。曰く「芸術とは、同じことを述べていても、異なる方法で表す可能性である」とは、ボテロの強調するところである。